ATENCIÓN: POST LARGO
¡Hola una vez más y bienvenidos a otro tutorial de fotografía! Hoy os voy a hablar de pequeños trucos para hacer que el cosplayer destaque en la imagen lo máximo posible y ésta quede armónica y agradable a la vista.
Yo tampoco soy una erudita en el tema, pero me apetece enseñaros las premisas en las que me apoyo para llevar a cabo la toma y edición de mis fotografías y el porqué de mis decisiones. Ya sabéis que mi objetivo principal es centrar la atención en el sujeto y, para ello, existe una serie de recursos que sirven para guiar el ojo del espectador hacia uno o más puntos de interés y crear imágenes más atractivas y fáciles de entender.
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| Cosplayer: Lyz BrickleyPhotographer: Beethy |
Alguna vez habréis visto una foto de cosplay (o de cualquier cosa) y os habrá resultado incómoda de mirar de alguna manera. ¡Hay fotos incómodas de mirar! Y esto ocurre porque el fotógrafo muchas veces no tiene la pericia para dar información clara al espectador de lo que quiere mostrar y hace que el motivo principal se pierda entre un montón de elementos distractores. Al igual que otros medios, la fotografía emite un mensaje y, como todos los mensajes, hay que saber transmitirlo con claridad y darle un interés.
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| Cosplayer: ShappiPhotographer: Studio Zahora |
Lo primero es comprender que nuestro cerebro, debido a factores culturales y biológicos, tiende a guiar nuestra vista a:
– Lo que conoce
Parece una chorrada, pero es así. Nuestro cerebro tiende a fijarse antes en objetos reconocibles y fáciles de procesar. Caras humanas, objetos ordinarios, animales… cosas con una forma concreta y que resulten familiares. Si no me creéis echadle un vistazo a esta imagen y fijaos en cómo, tras procesar lo obvio, comenzáis a fijaros en las cosas raras.
– La zona más iluminada de la foto/ The brightest part of the picture
Si queréis que un elemento de la fotografía gane especial protagonismo, el truco consiste en iluminarlo más que al resto de elementos. Es así de simple. El ojo siempre va a tirar a la zona más luminosa.
Ya sea aclarando sutilmente al sujeto u oscureciendo a su alrededor, vais a conseguir que destaque sobre el fondo.
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| Cosplayer: Fenix FatalistPhotographer: MilliganVick |
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| Cosplayer: Anna LehtinenPhotographer: The Night Shift |
– Viñeteado
El viñeteado está intrínsecamente relacionado con el otorgamiento de brillo al sujeto y consiste en oscurecer sutilmente la fotografía desde los bordes hacia el centro de atención. En Lightroom existe la opción de llevarlo a cabo mediante deslizadores; pero a mi me gusta mucho más pintarlo con Photoshop porque de esta manera tengo el control de lo que quiero oscurecer. Lo suelo hacer al final, creando una capa transparente sobre la fotografía terminada en modo luz suave y pintando con negro o un color oscuro acorde con la escena las zonas que me interesan.
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| Cosplayer: TheIdeaFixPhotographer: Pugoffka |
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| Cosplayer: SumyunaPhotographer: me (Nebulaluben) |
– La zona con más contrastes de la foto
Un objeto con contrastes ricos va a ser más atractivo para el ojo que un elemento poco definido, sin estructura concreta. Al cerebro le gusta ir a lo que entiende y el contraste aporta mucha información, conque dicha área resulta más cómoda de mirar y, por lo tanto, más rápida de procesar con respecto al resto de la imagen.
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| Cosplayer: SenedyPhotograher: Anton Timofeev |
– La zona mejor enfocada de la foto
El ojo siempre tirará a centrarse en las partes más enfocadas. De hecho este es un recurso manido hasta la saciedad en Instagram, ya que una de sus opciones es ese desenfoque alrededor del motivo principal. Y esto se hace precisamente porque mirar a objetos desenfocados resulta incómodo y molesto.
Las zonas desenfocadas pueden perfectamente aportar una información del ambiente en el que se encuentra el sujeto, pero el protagonismo se lo va a llevar el cosplayer correctamente enfocado. Y no hace falta generar un desenfoque muy acusado para guiar la vista hacia nuestro modelo, con un efecto sutil bastará.
En el caso de sacar fotografías de primer plano, hay que enfocar siempre a los ojos. La mirada del modelo debe recibir toda la importancia, si enfocáis a otra parte que no sean los ojos, la foto va a perder toda la fuerza de un plumazo. (A menos que queráis destacar excepcionalmente algún elemento especial de su caracterización).
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| Photographer: RayneRg |
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| Cosplayer: ShokoPhotographer: Kaicom |
– La zona con colores más saturados
Otra forma interesante de generar un punto de atención es desaturar el fondo un poco con respecto al sujeto que queremos destacar. O incluso saturar el atuendo del cosplayer, su maquillaje, el color de sus ojos, etc para crear una diferencia clara entre el mismo y el fondo haciendo que ambos queden separados cromáticamente.
Eso sí: jamás saturéis la piel. De hecho, un recurso para que parezca más bonita es desaturarla (y ya hablaré de eso otro día). El color de la piel es una mezcla de rojos, amarillos y magentas y queda fatal si se satura mucho, el modelo parecerá un pimiento morrón. Ante la duda lo mejor es no tocarla.
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| Cosplayer: Yaya HanPhotographer: Beethy |
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| Cosplayer: Narga-LifestreamPhotography: Pugoffka |
– El encuadre y la composición
Sobre este tema se han escrito libros enteros, así que lo voy a mencionar muy de pasada, de forma muy básica para que investiguéis si os interesa. Estos términos se refieren a la relación geométrica intrínseca que existe entre varios elementos de la fotografía, el peso visual que existe entre unos y otros. Es lo que otorga sentido, proporciona balance y da consistencia a una escena. Disponer de una forma u otra los elementos de una fotografía puede marcar la diferencia entre una toma mediocre y una interesante.
Existe una gran variedad de esquemas compositivos, siendo el más básico y recurrente la regla de los tercios. Esta regla consiste en que el punto de mayor atención de la fotografía debe encontrarse en alguna de las intersecciones entre dichos tercios. Es una regla de primer día de curso de fotografía, pero funciona y yo la uso un montón.
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| Cosplayer: Ryoko-demonPhotographer: Kifir |
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| Cosplayer: Daraya-craftsPhotographer: Pugoffka |
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Además de estos recursos hay algunos más que no sirven exactamente para atraer la mirada, sino que se utilizan más bien para aportar balance a la fotografía, generar sensaciones o una mezcla de las tres cosas. Paso a enumerarlos:
– De izquierda a derecha
Las personas occidentales estamos acostumbradas a leer textos de izquierda a derecha y de arriba a abajo, así que nuestra vista está entrenada o, más bien acostumbrada, para hacer el barrido en esa dirección. Con los recursos mencionados anteriormente se puede forzar la mirada en otras direcciones, pero no está de más saber que por defecto vamos a “leer” la fotografía de la misma forma que un texto.
Esto se puede aplicar para darle un factor sorpresa a una foto. Por ejemplo, colocando un elemento discordante a la derecha de la fotografía. Empezaremos barriendo por la izquierda y, cuando lleguemos a la derecha, ¡sorpresa! De la forma contraria se puede perder ese efecto.
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| Cosplayer: ZiharkPhotographer: El Niño Mutante |
– Simetría y patrones
Al cerebro la simetría le genera una sensación de satisfacción, por lo que una fotografía con elementos simétricos será más agradable a la vista que una que no los tenga. Igualmente, si lo que se busca es sensación de inqiuetud o inestabilidad la asimetría es una opción.
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| Cosplayer: Leon ChiroPhotographer: Dominique Secher |
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| Cosplayer: Agness BlanvradicaPhotographer: Pugoffka |
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| Cosplayers: Nemu013 and Narga-LifestreamPhotographer: MakKsTOBI |
– Líneas
Utilizar elementos lineales, como líneas de fuga de edificios, caminos, ramas de árboles, ríos o incluso crear los nuestros propios mediante el uso de atrezos sencillos genera una sensación de direccionalidad, de que dichas líneas apuntan hacia algo o lo apoyan. Por lo tanto, un sujeto al final de un pasillo, una cuerda, un ventanal, etc. será reforzado por dichos elementos, que funcionarán prácticamente como flechas que le apuntan.
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| Cosplayer: LalaPhotographer: SKYline |
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| Cosplayer: UsagitxoPhotographer: Olga Díaz |
– Enmarcar
Enmarcar al sujeto con elementos del entorno también ayuda a entender cuál es motivo principal de la fotografía.
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| Cosplayer: ElenaLeetahPhotographer: Yui-Lang |
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| Cosplayer: Ringo-donoPhotographer: Anton Timofeev |
– El horizonte
Un horizonte correctamente colocado puede aportar muchísimo a una fotografía. Dependiendo del punto que consideremos más interesante – el cielo o elementos que haya en el suelo – decidiremos dónde dejar la línea del horizonte.
Se dice que un horizonte interesante es aquel que queda en el tercio superior o inferior de la foto. Y mira que hemos hablado de simetría, pero un horizonte justo en el centro quita muchísimo interés y confunde sobre qué altura de la imagen es más importante.
También tendemos a interpretar la línea del horizonte oblícua de distinta forma dependiendo de su dirección. Si comienza en la parte izquierda de la foto y va hacia arriba a la derecha, da sensación de seguridad, dinamismo, estabilidad… da mucha fuerza. En cambio, si la línea comienza arriba a la izquierda y va bajando hacia la derecha la sensación que proporciona es de caída e inestabiliad.
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| Cosplayer: NadyasonikaPhotographer: Ignacio Mendoza |
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| Cosplayer: SaePhotographer: SKYline |
– La mirada y el aire
Estos dos conceptos van de la mano y son una de las cosas más importantes a la hora de sacar un retrato con éxito.
Por un lado, la mirada da muchísima información. Y no se trata tanto de a qué está mirando, porque a lo que quiera que mire perfectamente puede estar fuera de plano, sino hacia dónde. Y ahí entra el aire, que es cómo se denomina en fotografía al espacio hacia el que se mira.
Yo considero ésta una de las reglas básicas e impepinables, una de estas que sólo te puedes saltar si estás muy seguro de lo que haces. No se puede poner a un sujeto mirando hacia la derecha y que la foto se acabe en su nariz dejando a su izquierda un montón de fondo. La información que recibimos debe venir del sitio al que está mirando el sujeto, que es lo que a él le interesa y, por lo tanto, lo que nos interesa a los espectadores.
Si acaso en fotografías en las que se quiera dar una sensación de miedo o tensión sí que se puede colocar más espacio detrás del modelo, fuera de su vista e incluso colocar elementos detrás de él. Pero, como norma general, siempre el aire delante de la vista.
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| Cosplayer: Gabriel AdlerPhotographer: KingslayeR13 |
– Uso de los planos, ángulos de disparo y distancia focal
Otro tema que daría para 500 posts. Así que seré breve y concisa:
Por un lado, el plano consiste en cuán detallada es el área que estamos fotografiando. Desde un plano general, cuerpo entero, de rodillas para arriba hasta primer plano y plano detalle. Dependiendo de lo que nos interese mostrar optaremos por un plano un otro. Por ejemplo, si queremos centrar la atención en el maquillaje haremos un plano corto o un plano detalle. En cambio, si queremos sacar el cosplay entero tendremos que tirar de un plano general. Una vez más, es una cuestión de la información que queremos dar.
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| Cosplayer: ThecristalshoePhotographer: Fernando Brischetto |
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| Cosplayer: IvyPhotographer: Peck |
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| Cosplayer: CalssaraPhotographer: Dizzy Monogatari |
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| Cosplayer: ShappiPhotographer and edition: BHMT and edylisation |
El ángulo es la altura del objetivo con respecto al sujeto. El más socorrido es el normal, que suele hacerse a la altura de los ojos y genera una sensación objetiva de la situación que se fotografía.
Luego está el picado, que es desde arriba, que sirve para generar una sensación de vulnerabilidad o debilidad del sujeto. Si vuestro personaje es debilucho, cursi o cosas por el estilo, podéis probar a sacar un picado.
Y por último está el contrapicado que es el más molón y consiste en sacar la foto desde abajo. Este tipo de recurso se utiliza para dar sensación de majestuosidad, grandeza, poder y superioridad. Es lo que más vais a ver en fotos de cosplay porque genera un efecto muy épico.
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| Cosplayer: NunnalyPhotographer: SKYline |
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| Cosplayers: League of ReplicaPhotographer: Kaicom |
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| Cosplayer: EnishiRyuuodzinPhotographer: Nana Hikari |
La distancia focal, sin meterme en temas muy técnicos, es la distancia en milímetros que existe entre el sensor de la cámara y una cosa que se llama el centro óptico de la lente. La distancia focal varía entre los distintos tipo de objetivos y elegir uno un otro dotará a la imagen de una apariencia diferente. Esto se traduce en el ángulo de visión de la fotografía.
Los objetivos van desde gran angular hasta teleobjetivo. El objetivo considerado normal, o sea, que aporta un ángulo más parecido al de la visión humana, es el de entre 25 y 65mm. El efecto que provoca es, al igual que cuando sacamos una foto a una altura media, objetividad.
Cuanto más gran angular (milimetrajes más bajos: entre 8 y 25mm) más amplio es el ángulo de la escena, más separados parece que están los objetos entre sí, más amplio parece el espacio y genera una distorsión del sujeto y todo lo que le rodea que puede resultar muy interesante (a mi me encanta) dotando a la imagen de mucho dinamismo. La profundidad de campo de estos objetivos es gigantesca, dando lugar a un fondo sin desenfocar.
Cuanto más nos acerquemos al teleobjetivo (milimetrajes altos de 65mm para arriba) el ángulo de visión será más cerrado, los elementos de la fotografía parecerán mucho más compactos entre si y se reducirá la profundidad de campo apareciendo todos los objetos alrededor del sujeto más desenfocados. El tele se utiliza mucho para fotografías de belleza ya que, al contrario que el angular, compacta los rasgos del rostro suavizándolos muchísimo.
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| Cosplayer: Me (Nebulaluben)Photographer: Pugoffka |
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| Cosplayer: Lady AngelusPhotographer: Darkon Lore |
Los objetivos no sólo se eligen en función de su ángulo sino también de su luminosidad) es decir, de cuánto puede abrirse su diafragma para que pase más luz en combinación con la velocidad de obturación y la sensibilidad del sensor. A mayor luminosidad, más caros son y más posibilidades ofrece a la hora de exponer la imagen.
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– Eliminación de elementos distrtactores
Muchas veces no podemos controlar todos lo elementos que aparecen en el plano. Quizás estemos en unos exteriores preciosos, pero al fondo hay un cartel o una grúa que estropea la foto o en un edificio turístico lleno de carteles. Nos os cortéis con el Photoshop y quitadlos. Que sean inamovibles en la vida real no significa que no podamos deshacernos de ellos.
Creo que el mejor ejemplo que tengo es la eliminación de la estatua en esta foto porque su culo distraía una barbaridad.
Así que, ya sabéis, aunque el elemento pertenezca a un conjunto arquitectónico, no dudéis en eliminarlo si no os cuadra en la imagen.
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| Cosplayer: SumyunaPhotographer: Me (Nebulaluben) |
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Tampoco hay que tener 100% en cuenta todo esto todo el tiempo al sacar fotos, pero es importante conocerlo para tener cierta idea de lo que estamos haciendo y, sobre todo, para saber identificar qué cosas no cuadran en una foto. Al fnal lo haréis automáticamente sin daros cuenta. Es cuestión de práctica.
Me dejo el tema de la iluminación para otro día, que eso ya ocuparía una bestialidad.
¡¡Y ya está!! Este post ha sido larguísimo, pero espero haberos ayudado.
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Si eres uno de los cosplayers o fotógrafos que menciono en este post y no quieres que tu trabajo aparezca aquí, ecríbeme a nebulalubencosplay@gmail.com y lo retiraré inmediatamente.
